Taylor Swift : les chansons

Ce titre de l'album The life of a showgirl est révélateur d'un aspect pour le moins étonnant de Taylor Swift. Au fil des albums, elle a développé un réel talent de compositrice mais aussi un sens de la mise en scène dans ses chansons. C'est aussi un titre qui célèbre le retour à l'innocence après être passée par des périodes où elle devait assumer un certain cynisme.

La chanson évoque le moment où quelqu'un a suffisamment gagné notre confiance pour que nous cessions de jouer un personnage.

Tu sais, la dernière fois que j'ai ri aussi fort
C'était sur le trampoline dans le jardin de quelqu'un
Je devais avoir 8 ou 9 ans
C'était la nuit où je suis tombée et me suis cassé le bras

Très vite, j'ai appris la discrétion prudente
Quand ton premier béguin bafoue quelque chose de doux
Quand j'ai dit que je ne croyais pas au mariage
C'était un mensonge
Chaque fille aînée
A été le premier agneau sacrifié
Alors on s'est toutes déguisées en loups et on était superbes
Mais je ne suis pas la plus " bad ", et je ne cherche pas à être impitoyable

Taylor Swift explique ainsi que l'aînée doit être préparée à tout porter - elle est l'aînée de sa famille. Par bonheur, l'amour permet enfin de déposer les armes.

Si la chanteuse expose ici un aspect vulnérable, elle nous dit aussi qu'elle veut croire de nouveau à la douceur.

Dans "Fortnight" Taylor Swift décrit une relation passée qui continue d'exister sous une forme insolite : les deux ex-amants conservent une liaison diffuse au niveau spirituel comme si une version parallèle continuait de se dérouler en secret.

Pendant une quinzaine, nous étions éternels
Je te croise parfois, on parle de la pluie et du beau temps
Te voilà dans mon arrière-cour, on est devenus de bons voisins
Ta femme arrose les fleurs, j'ai envie de l'éliminer

C'est une chanson autour de ce qui reste après l'amour. Deux êtres qui auraient normalement dû se retrouver ensemble ont chacun épousé quelqu'un d'autre. Pourtant, ils se retrouvent voisins. Et donc chaque matin, semble revenir l'écho de cet avenir manqué.

La production, minimaliste et feutrée, repose sur une rythmique discrète, et la mélodie semble tourner sur elle-même. La voix du chanteur Post Malone donne l'impression d'un narrateur fantôme, qui comme elle partage l'ombre d'un souvenir diffus.

Réalisé par Taylor Swift, le clip en noir et blanc nous emporte dans une fiction improbable, en noir et blanc, intrigante et mystérieuse. Il impose dès la première image une esthétique expressionniste, initialement inquiétante - elle est attachée à un lit au sein d'une institution si ce n'est que l'on découvre que ce lit est en hauteur. Elle se détache pour s'installer dans une salle administrative, assise à une machine à écrire, face à Post Malone qui apparaît comme un personnage de film à la 1984. D'autres séquences évoquent ce qui reste de la relation passée, comme un mélange d'affection et de retenue.

Les savants que l'on aperçoit dans le clip sont Ethan Hawke et Josh Charles, réunis 35 ans après le film "Le Cercle des Poètes Disparus", en référence au thème de l'album Tortured Poets Department.

"Fortnight" est le morceau annonciateur d'un album introspectif, sorte de journal intime, doté d'une séduction tranquille. Le public allait-il suivre ? De façon étonnante, "Fortnight" est entré directement n°1 du Top 100 américain.

L'album Tortured Poets Department, bien que fort éloigné du son d'un disque pop, est resté 17 semaines en tête des charts.

C'est une des plus magnifiques mélodies composées par Taylor Swift. Cette chanson qui clôt l'album Midnights (2022) est d'une joliesse envoûtante. Elle démarre sur une boucle de synthé quasi hypnotique sur laquelle la chanteuse déploie une phrase musicale d'une immense séduction. A elle seule, elle distille l'envie de réécouter l'album puisque nous sommes amenés à le quitter sur cette apothéose esthétique.

La chanson évoque une relation amoureuse qu'elle aurait contrôlée de bout en bout, d'où le titre de "Mastermind". Toutefois, elle laisse entrevoir que cette sensation de planifier les événements n'a peut-être été qu'une illusion.

Il était une fois, les planètes et le destin
Et toutes les étoiles se sont alignées
Toi et moi, nous nous sommes retrouvés dans la même pièce
Au même moment

L'effleurement d'une main a allumé la mèche
D'une réaction en chaîne de contre-attaques [à mon jeu d'échecs]
Pour évaluer l'équation que tu représentes
Échec et mat, il n'était pas question que je perde la partie

Et si je te disais que rien de tout cela n'était accidentel ?
Dès la première nuit où tu m'as vue
Rien ne pouvait m'arrêter
J'ai préparé le terrain, et ensuite
Comme une horloge bien réglée
Les dominos sont tombés les uns après les autres

Et si je te disais que je suis une maîtresse du jeu ?
Et maintenant tu es à moi
Tout était calculé
Parce que je suis une maîtresse du jeu.

C'est après avoir vu le film Phantom Thread de Paul Thomas Anderson que Taylor Swift a écrit ce titre. À la fin du film, Alma empoisonne volontairement l’omelette du couturier Reynolds. Ce dernier comprend le piège mais avale néanmoins la bouchée : il accepte de devenir vulnérable, parce que cette dépendance lui permettra d’être aimé. La victime connaissait donc la manipulation et a choisi d’y entrer. Inspirée par cette scène, la chanteuse, que l'on a pu accuser d'être "calculatrice" a voulu reprendre ce qualificatif et en jouer.

Elle explique ainsi la partie d'échecs amoureuse dont elle a été partie prenante. Comme personne ne voulait jouer avec elle lorsqu'elle était enfant, elle aurait appris à élaborer des stratégies pour se faire aimer, tout en donnant l'impression que cela arrivait naturellement.

L'impression de mystère en fin de l'album Midnights ne fait que renforcer le goût de "revenez y".

"Mastermind" est un morceau optimal à faire écouter à celui qui voudrait découvrir Taylor Swift.

13e chanson de l'album Midnights, la chanson a atteint la position n°13 des charts américains, comme si le destin avait voulu opérer son propre clin d'oeil.

Je ne rate jamais le rythme
Je suis vive sur mes pieds
Et ça, ils ne le voient pas, mm-mm

Je danse toute seule
J'invente mes pas au fur et à mesure
Et ça, ils ne le savent pas, mm-mm

Le 18 août à 5 :00 de l'après-midi, Swift présente 1989 et sa nouvelle identité 'popstar de New York' lors d'un livestream sur Yahoo et ABCNews. L'événement a fait l'objet d'annonces sur les réseaux sociaux sans jamais dévoiler la moindre information relative au contenu, à la transformation. Elle apparaît aussi, rayonnante, dans le Tonight Show de Jimmy Fallon, en direct depuis le sommet de l'Empire State Building tout en refusant de laisser filtrer le moindre indice.

"Je suis tellement excitée que j'en perds mes mots."

Elle explique alors qu'un petit groupe de fans triés sur le volet ont été invités à assister à l'événement sur place. Elle transforme ainsi l'opération en un événement collectif et s'attarde sur l'intensité de ce lien :

" La relation la plus profonde que j'ai, c'est avec mes fans - et il m'appartient de l'entretenir. "

Lors du livestream, elle s'appesantit sur sa métamorphose :

" J'ai travaillé sur ce nouvel album pendant deux ans. J'ai travaillé sur un nouvel album pendant deux ans. C'est le temps nécessaire pour grandir, pour se transformer, déplacer le centre de ses priorités. Changer de lieu de vie, changer de coiffure, changer ses convictions, les personnes qui vous entourent, ce qui vous influence, ce qui vous inspire.

Et à travers l'ensemble de ces mutations, survenues au fil des deux dernières années, ma musique a changé, elle aussi. "

Durant le stream, elle fait diffuser en exclusivité le clip boosté à l'énergie de "Shake it off".

La chanson " Shake it off " est une réponse aux médias qui ne cessent de décortiquer son actualité :

" Chaque partie de ma vie a été disséquée - mes choix, mes actions, mes mots, mon corps, mon style, ma musique…
Je suppose que la façon dont je gère cela est de 'shake it off' (secouer ça). "

A l'origine, les producteurs Max Martin et Shellback ont créé le rythme en tapant du pied sur le plancher. Shellback s'est emparé d'un synthétiseur Mellotron et ponctué ce rythme de façon rudimentaire, presque maladroite. Or, Max Martin a alors perçu qu'il y avait là, dans ces quelques notes distraites, l'essence d'un tube.

La vidéo de " Shake it off " est un manifeste à part entière de l'évolution subtile de son identité. Elle apparaît comme une danseuse maladroite mais acharnée malgré son essoufflement au milieu de danseurs chevronnés de ballet ou de hip hop - elle semble assumer qu'elle n'est pas du même niveau, de façon décontractée. Elle entend souligner que l'humour est la meilleure arme face à ses détracteurs. Juste après la diffusion du clip, elle se lève spontanément et entame une danse entraînant les fans présents avec elle.

" Shake it off " va devenir le plus grand tube de sa carrière…

1989 est dans les bacs le 27 octobre 2014 et marque une entrée triomphante dans l'univers de la pop.

Pour cette chanson émouvante, Taylor s'est entourée de ses idoles d'enfance, les Dixie Chicks un groupe de trois chanteuses/musiciennes qui enrobent "Soon you'll get better" de leurs suaves harmonies vocales, violons et banjo. Le groupe s'appelle désormais The Chicks.

La chanson des Dixie Chicks, "Cowboy Take Me Away" a été l'une des premières chansons que Taylor Swift a apprise à la guitare.

"Soon you'll get better" fait référence à la santé défaillante de sa mère Andrea.

Il en a résulté un texte émotionnel à tel point que Taylor s'est demandé si elle devait réellement inclure ce titre sur l'album Lover. La situation a d'ailleurs fait l'objet d'une discussion en famille. Elle-même a dit qu'elle se sentait fière de ce morceau mais presque incapable de la chanter. Et de fait, elle ne l'a interprété publiquement qu'une seule fois, seule au piano, lors de One World:Together at Home, une grande émission caritative mondiale diffusée le 18 avril 2020, au tout début de la pandémie.

La chanson de Taylor Swift préférée de l'auteur.

Cette chanson qui clôt l'album Folklore est une des plus émouvantes qu'elle ait écrites. Elle fait référence au Lake District, une région du nord-ouest de l’Angleterre, célèbre pour ses lacs, collines et paysages sauvages et mélancoliques. Ce lieu est considéré comme le berceau du romantisme anglais.

N'est-il pas romantique de voir combien mes poèmes lyriques me rendent hommage ?
Je ne suis pas faite pour tous ces clones cyniques
Ces chasseurs armés de téléphones portables

Emmène-moi vers les lacs où tous les poètes sont allés mourir
Je n'ai pas ma place ici, et mon amour, toi non plus
Ces sommets de Windermere semblent être l'endroit parfait pour pleurer
Je prends le large, mais pas sans ma muse

Taylor Swift évoque des écrivains romantiques du XIXème siècle tels que William Wordsworth, Samuel Taylor Coleridge et Robert Southey qui s'étaient retrouvés à Lake District afin de se retirer du vacarme de la ville.

Elle revendique son aspiration à la paix, le rejet du bruit, de la superficialité. Lorsqu'elle dit :

"Je pars (ou Je me mets en route), mais pas sans ma muse. »

elle exprime le besoin de quitter les villes et de retrouver un calme intérieur. Certains critiques ont considéré que "The lakes" était la chanson la plus européenne de Taylor Swift.

Il est à noter que Taylor Swift s'autorise un jeu de mots peu facile à retranscrire en français vis-à-vis du poète William Wordsworth l’un des poètes romantiques du Lake District. avec cette phrase :

What are my words worth ?
(quelle est la valeur de mes mots ?)

En une phrase, elle oppose la valeur marchande que l’industrie attribue à ses textes (elle est alors dans une bataille féroce en vue de récupérer les droits de ses premiers disques) à leur valeur littéraire. Ceux qui se contentent de chiffrer son oeuvre en dollars voient surgir l’ombre d’une poètesse.

Jack Antonoff avait d'abord imaginé une vaste orchestration mais Taylor lui a demandé d'opter pour la sobriété. De fait, "The lakes" me séduit aussi pour ses violoncelles et violons mélancoliques qui installent une sensation de profondeur, les quelques touches de piano, et sa mélodie propice à l'évasion de l'âme. Elle me touche à chaque écoute et tisse un lien mystérieux vers cette facette romantique de l'artiste.

Ce premier single est une ballade tranquille dotée d'une instrumentation légère qui met en valeur une voix aux accents touchants. Dédiée à son premier amour, la chanson exprime sans détour les sentiments qu'elle a éprouvés à un moment donné.

Tim McGraw est un chanteur de country perpétuellement coiffé d'un chapeau de cowboy, dont le répertoire est composé de ballades romantiques. Il a connu un succès majeur dans les années 90 avec des albums comme Not a moment too soon.

Taylor Swift était âgée de 14 ans lorsqu'elle a écrit "Tim McGraw". Elle avait pris l'habitude d'écrire des textes de chanson en classe. Or, elle avait pour petit ami un élève bien plus âgé, Drew Dunlap qui était en dernière année de lycée et se préparait à partir pour l'université.

Lors d'une classe de mathématiques, elle a comme un flash :

" Lorsqu'il pensera à moi, j'aimerais qu'il pense à une chanson de Tim McGraw. "

D'où les vers :

" Quand tu penseras à Tim McGraw
J'espère que tu penseras à ma chanson favorite
Celle sur laquelle nous dansions toute la nuit durant. "

La première fois qu'il a entendu la chanson, le directeur de sa maison de disques, Scott Borchetta a été retourné :

" Est ce que tu réalises ce que tu viens d'écrire ? "

Et de commenter :

" C'était l'un de ces moments où l'on se dit 'Oh mon Dieu' ! "

Taylor Swift avait d'ailleurs initialement nommé la chanson "When you think Tim McGraw". Toutefois, Borchetta a perçu le potentiel de mystère qui pourrait résider dans le titre raccourci.

Nous avons choisi de sortir cette chanson de façon délibérée, s'est rappelé Borchetta. De cette façon, les gens pourraient se poser la question : 'qui est donc cette nouvelle artiste avec une chanson sur Tim McGraw ?'

Le clip a été tourné dans une propriété qui avait appartenu à une autre star de la country : Johnny Cash.

Durant l'été 2006, la chanson gagne en popularité. Le 1er juillet, elle entre à la position n°60 du hit-parade country.

Qu'en pense le chanteur Tim McGraw lui-même ?

" Lorsque je l'ai entendu pour la 1ère fois, je me suis demandé : suis-je arrivé à l'âge où l'on chante des chansons sur moi ? Est-ce que j'ai atteint un point de non retour ? Et puis j'ai réalisé qu'elle était en 1ère année de lycée lorsqu'elle a écrit cette chanson. Ça m'a rassuré. Du coup, je ne me suis pas senti si vieux que cela… "

S'il fallait une seule chanson pour refléter le moment où Taylor Swift cesse d'être une étoile de la country et devient un phénomène pop mondial, ce serait sans hésiter "We Are Never Ever Getting Back Together".

Ce titre est un claquement de porte - ou même une porte qui explose de ses gonds.

Jusqu'alors, Taylor chantait la nostalgie des ruptures. Ici, elle ne se lamente plus, elle énonce . Elle prononce un verdict. Le refrain est une saillie vengeresse que personne ne pourra oublier.

Le génie de la chanson réside dans un paradoxe.

We are never ever ever getting back together.

"Jamais, jamais, jamais nous ne nous remettrons ensemble ".

La création de la chanson ressemble à une scène de film...

Au début de l'année 2012, que Taylor Swift était en studio avec les suédois Max Martin et Shellback à Conway Studios à Los Angeles. Soudain, une connaissance de son ex-boyfriend Jake Gyllenhaal a fait irruption dans le studio. En apercevant Taylor, il a lancé qu'il avait entendu une rumeur comme quoi elle serait sur le point de renouer avec Gyllenhall.

À peine la porte refermée, Taylor a explosé :

"We are never ever getting back together!"

Max Martin, Shellback et Taylor ont perçu qu'ils tenaient là une formule magique. C'est la phrase que des millions de personnes ont rêvé de dire à un ex sans jamais oser.

Perspicace, Max Martin a donc émis une remarque ô combien judicieuse :

" C'est un excellent titre de chanson. Il faut que tu l'écrives. "

Quelques minutes plus tard, le refrain existe déjà. Et dès le lendemain, Taylor Swift a débarqué en studio avec la chanson complète.

Lors d'un chat en direct avec ses fans, le 13 août 2012, Taylor a expliqué que cette chanson incisive était inspirée de l'un de ses anciens petits amis. Elle l'a même qualifiée de façon fort ironique de :

"chanson incroyablement romantique... touchante et sensible... dédiée à mon adorable ex-petit ami ".

Interrogée sur l'identité de l'individu en question, elle a répondu avec un sourire : "J'essaie de ne pas être trop énigmatique, mais je ne veux pas non plus tout révéler." Il semble toutefois clair qu'il s'agirait du comédien Jake Gyllenhaal avec qui elle avait entamé une relation en octobre 2010. Fin 2010 , Taylor Swift s'est séparée de cet acteur suite à une relation fort tourmentée.

L'une des phrases de couplet constitue une sacrée pique envers Gyllenhaal :

"...with some indie record that's much cooler than mine..."

Elle laisse entendre qu'il méprise la musique de Swift, qu'il lui aurait fait sentir que ses goûts seraient plus nobles, plus branchés : il évoque un disque indie bien plus cool que ce fait la chanteuse.

Elle expliquera plus tard qu'elle voulait justement créer une chanson qui passerait sans cesse à la radio, au point que Gyllenhaal soit obligé de l'entendre sans cesse.

Avec le recul, "We Are Never Ever Getting Back Together" ressemble à une déclaration d'indépendance. Taylor dit adieu à un ancien petit ami mais aussi à une certaine image que l'on avait d'elle. Car avec ce single, elle s'éloigne peu à peu de la country et installe une nouvelle présence de chanteuse pop.

Cette chanson représente également un tournant artistique. Auparavant, Taylor, par exemple sur Speak Now, Taylor racontait des histoires. A présent, elle est en mesure de condenser une histoire en une phrase choc. Elle va réitérer cette formule sur des titres comme "Blank Space"ou "Shake It Off".

Le clip foldingue où Taylor participe à une fête jubilatoire a été tourné par Declan Whitebloom comme un plan-séquence : les changements de vêtements, allers et venus sur des personnages, évoluent sans coupe visible.

Le morceau devient son premier numéro un au Billboard Hot 100 et montre que Taylor Swift peut dominer la pop sans renier son talent de conteuse. Il s'est écoulé à 623 000 exemplaires numériques en une semaine, devenant le record féminin de l'époque.

Cette chanson est ma favorite de l'album The life of a showgirl. C'est la dernière chanson qu'elle a enregistrée pour cet album. Une fois "Wi$h Li$t" achevée, Taylor a su que l'album l'était également.

Cette chanson met en valeur les qualités de compositrice de Taylor Swift, qui surfe ici sur une esthétique européenne, tout en nuances et touches légères.

La mélodie repose sur une ligne musicale fluide et enlevée, qui se suffit à elle-même. La voix se fond dans le maillage sonore, très feutrée, tout en douceur, induisant une tranquille intimité. Comme si elle se confiait à elle-même.

La chanson évoque les rêves que peuvent entretenir des célébrités :

Ils veulent cette vie de yacht sous les pales d'un hélicoptère
Ils veulent ces lumières vives et ces lunettes Balenciaga
Avec un gros derrière et un visage d'ange
Ils veulent tout avoir
Ils veulent ce personnage féminin complexe
Ils veulent ce succès critique, une Palme d'Or
Et un Oscar sur le sol de leur salle de bain
(…)

Pourtant, elle-même exprime des désirs plus simples, non artificiels : ne pas être jugée, vivre la relation avec son amoureux…

La chanson évoque donc ce contraste d'être sous les projecteurs du monde entier alors qu'elle aspire à une forme de normalité.

C'est donc ma chanson préférée de l'album The life of a showgirl et j'ai été agréablement surpris d'apprendre qu'il en était de même pour Taylor Swift elle-même !

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